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EL ESTILO ROCOCÓ Y SU SIGNIFICACIÓN
... desde los primeros decenios del siglo XVIII hasta poco después de
mediados de aquel mismo siglo, tuvo lugar el fenómeno conocido por Arte
Rocalla o "Rococó", o por mejor decir, la difusión del estilo así
llamado. Porque, en realidad, se trató de un estilo ornamental.
Por un lado surgió, en forma exuberante (y casi explosiva) en
el arte alemán, cuya tradición barroca no se había interrumpido, como pasó
en Francia; pero los que más contribuyeron a darle un aspecto característico,
los promotores de su difusión, bastante general en Europa, fueron
ornamentistas franceses. (...)
Así, pues, el estilo Rococó fue en aquella nación como una
reincidencia en lo barroco, y es, verdaderamente, un aspecto del arte
barroco. ¿Qué será, pues, lo que de él le distingue ?
Wolfflin definió el arte barroco como aquel que, sucediendo al del Renacimiento a él se opone. Es el resultado de un conjunto de inquietudes que parten del arte renacentista para modificarlo, para darle nuevas formas. Para muchos, el arte barroco es el típico de la Contrarreforma, y esto es verdad en tanto que su principal foco fue la Roma papal de fines del XVI y del XVII. Preconizaba la amplitud, el movimiento lineal, el retorcimiento, la exagerada riqueza decorativa. Es un arte que, en sus obras más características, acumula los elementos decorativos que le son propios.
Pero el estilo Rococó no es precisamente eso, aunque del
barroquismo recoge, principalmente, los elementos de irregularidad, el
movimiento de líneas que ondulan. En realidad, es el fenómeno típico de una
sociedad histórica, y traduce también muy fielmente las ideas y la sensibilidad
que caracterizaron a esa sociedad humana: el exotismo chinesco, la galantería
y la ironía, la osadía de expresión, partiendo de un anhelo de elegancia y
de claridad, y el interés por las pequeñas cosas naturales. Es un estilo
que se aviene con la jugosa, clara e intencionada prosa de Voltaire, así como
la pintura francesa larmoyante, de finales del mismo siglo XVIII, retratara
la sentimental mentalidad humanitaria rousseauniana.
Este estilo se designó en francés rocaille (y en España
"rocalla" se le llamó también); pero ha prevalecido su designación
por la voz "Rococó", de tono mas familiar. Un análisis de esta
palabra nos aclarara, quizá, cuál sea su verdadero concepto. Esta voz Rococó
francesa es una composición (un raccourci) de las voces rocaille y coquille,
porque en los primeros diseños en que el nuevo estilo se manifestó en
Francia, y que bien pronto trascendieron a otros países, había como una
sugerencia de formas en el aspecto de las rocas marinas que llevan adheridas
algas y conchas. Donde tales formas se revelan más representativas es en las
cartelas ornamentales. (...) Son formas que, puestas generalmente al sesgo,
prescindiendo de toda lógica geométrica, se basan en la asimetría y en el
perfil ondulado de ciertas conchas de moluscos cuyo diseño remata una suerte
de penacho en voluta y que se combinan, alusivamente, con otras formas que son
propias del mundo vegetal, con sus ramificaciones, arborescencias y
nudosidades. Inmediatamente después de su aparición, tales formas fueron
aplicadas con ardor a los objetos de platería o de cerámica, a las boiserias
y a los muebles, y sirvieron incluso para inspirar composiciones de carácter
pictórico, en pinturas y grabados y cartones para tapicerías. (...)
En realidad, la trascendencia del estilo Rococó sobre la
arquitectura francesa no fue muy abundante. Se le halla bien representado, sin
embargo, en algunos interiores; así, en un salón ovalado, de hacia 1732, de
G. Boffrand, en el Hotel de Soubise (hoy sede de los Archivos Históricos de
Francia). Otro de sus mas claros reflejos, en el arte aplicado de alcance
monumental, son las historiadas rejas que forjó Jean Lamour para la Plaza
Stanislas, de Nancy.
En cambio, en los países germánicos el Rococó venia a renovar
el barroquismo arquitectónico allí existente desde el siglo XVII. Algunos
palacios, como el Belvedere, cerca de Viena, ... o el Zwinger de Dresde, ...
por Matthaus Daniel Poppelmann, marcan bien claramente el traspaso entre el
barroco y las construcciones de pleno gusto "rocalla", que triunfan,
con esplendor verdaderamente exuberante, en varias residencias principescas
alemanas, como el Amalienburg, ... en el parque muniqués de Nymphenburg, o la
residencia del principe‑obispo de Wurzburg, ... de Balthazar Neumann.
Neumann fue el autor y decorador de algunos hermosos templos del
nuevo estilo. Casi todos ellos están en Baviera o en Suabia, pero el mas
importante, el de Vierzehnheiligen (o de Los Catorce Santos) se halla en Alta
Franconia.
Otros arquitectos y artistas desplegaron aquel mismo aéreo
estilo, que en la decoración interior de las iglesias crea un optimista
ambiente de devoción, muy distinto al del barroco de las iglesias romanas.
Los mas significativos fueron Johann Fischer, constructor, en 1736, de la
iglesia del monasterio de Ottobeuren, y antes que el, los hermanos Asam y
Zimmermann. (...)
La escultura religiosa experimentó asimismo, en esa parte católica
de Alemania, un gran florecimiento de intima inspiración Rococó, aunque el
imaginero de más valía trabajó ya a mediados del siglo. Fue Ignaz Gunther
(1725-1778), natural del Alto Palatinado, pero que ejerció su arte en Munich.
...
Prusia es la región histórica alemana en donde el estilo Rococó
- del que fue decidido entusiasta Federico II el Grande - llegó, bajo tales
auspicios, a sus mayores delicadezas. (...)
En España, el "Transparente" de la catedral de Toledo,
obra de Narciso Tomé - a la que nos referimos ya en su lugar-, realizada en
1721-1732, enlaza con el estilo Rococó principalmente por su atrevimiento: es
una capilla sacramental cuyo espacio queda concretado por la luz que irrumpe
por un ojo del muro correspondiente a la girola gótica del templo. Esta
capilla abierta, a modo de trascoro, se halla encuadrada por una composición
de columnas y drapeados. Es una obra, pues (por los elementos de que se
compone), aun plenamente barroca. En Valencia, donde el alemán Conrad Rudolf
había introducido, a comienzos del siglo (con su fachada catedralicia),
si no la forma, el espíritu del Rococó, existe un edificio típico del
estilo, doblemente interesante por ser obra exclusiva de un constructor español:
es el Palacio del Marques de Dos Aguas, proyectado hacia el 1740 por el pintor
y arquitecto Hipólito Rovira. La composición escultórica de su portal alude
a las aguas de los dos ríos que riegan el reino de Valencia, el Turia y el Júcar,
representados en forma de dos figuras colosales, rampantes. El edificio tiene
ventanas que se transformaron con estucos en 1867, pero cuyos marcos son
todavía los originales, y muestran lo que pudo dar de si el Rococó en España.
En cuanto a la iglesia de Belén, en Barcelona, es también plenamente
barroca, del estilo típico de las iglesias de la Compañía de Jesús (este
fue su origen), por mas que contenga detalles escultóricos que hagan pensar
en lo Rococó.
Demasiado fuerte y profunda era la huella del barroco en Italia
para posibilitar la penetración en aquel país de esta nueva versión de las
concepciones barrocas. (...) Lo más realmente Rococó se realizó en aquel país,
sin embargo, en Turín y en el real palacio napolitano de Caserta, en la
decoración de salones regios, y también a través de un aspecto que es muy típico
del arte rocalla, el de su aplicación a la porcelana. (...)
En cambio, la sala que el rey hizo elaborar e instalar en
Madrid, en el Palacio Real de Oriente, entre 1765 y 1770, combina ciertos
diseños decorativos del Rococó con temas ya enteramente neoclásicos. Más
específicamente dentro del estilo que aquí comentamos son algunos techos y
adornos murales datados hacia 1725 o 1730 (seguramente de autor francés) que
existen en el palacio de San Ildefonso de la Granja, y, de época posterior,
la Sala titulada de Gasparini, en el Palacio Real de Madrid.
Rastros del estilo Rococó se pueden señalar en Suecia, en el
ornato interior de algunas residencias. En cambio, no sabemos de ningún claro
ejemplo de ello en Inglaterra. Allí aquel estilo influyó tan sólo en
aspectos del arte aplicado, como son el mueble y las porcelanas; y en lo que
respecta a su reflejo en la moblistería este influjo fue ciertamente muy
parco, aunque se ejerció de un modo consciente a mediados del siglo, a través
del constructor y proyectista de muebles Thomas Chippendale. De la serie de
grandes mueblistas ingleses del siglo XVIII, el fue, en realidad, el único
que aplicó algunos motivos de pura inspiración "rocalla" en sus
muebles de asiento, sin que por ello hubiera de perturbar las reglas de su
personal estilo, en el que siempre rehuyó el exceso de adorno. (...)
En cambio, en la porcelana y en las piezas de cerámica en
general - que entonces ofrecen tanta variedad y riqueza en toda Europa - halló
el Rococó un amplísimo campo para su aplicación. Aquella materia cerámica,
considerada como algo precioso en un grado que hoy difícilmente podemos
imaginar--, presenta en la historia de su desarrollo europeo durante el siglo
XVIII tantas concomitancias con lo que aquí estamos tratando, que no es
exagerado afirmar que, a través de ella, puede seguirse perfectamente la
evolución (o por lo menos, la perduración de aquel estilo.
Materia exótica ya apreciada de antiguo como una rareza (por
sus cualidades de dureza, transparencia y blancura, así como por la finura de
su adorno pintado), durante mas de un siglo, en todos los países europeos la
estima por la porcelana china creció avivada por la importación que de ella
se hacia, primero (en el siglo XVI) a cargo de los portugueses, y desde 1602
por la Oostindisches Compagnie holandesa, a través del puerto de Amsterdam,
verdadero emporio de ese "oro blanco", adonde anualmente llegaban
piezas chinas en cantidades ingentes. Años mas tarde, se importó también a
Francia e Inglaterra por la Compagnie des Indes Orientales y la East India
Company, dedicada también al comercio del te, y aun, posteriormente, fueron
navíos suecos y daneses los que realizaron su transporte a Europa.
El prestigio alcanzado por los búcaros, vasijas, figuritas y
cuencos importados de China, ya en el siglo XVII había provocado en Europa
una gran actividad de probaturas con vistas a lograr la obtención de esa
sustancia, cuya composición se ignoraba. Los intentos para "descubrirla"
se multiplicaron desde aquellas fechas en Inglaterra, Holanda, Francia y
Sajonia.
Esta actividad desembocó, en Francia, en el descubrimiento de
una materia que era, en el fondo, de composición vítrea, la llamada
porcelaine de pate tendre. No era autentica porcelana, sino una porcelana
imitativa, con la que se conformaron las manufacturas (oficiales o privadas)
que en el curso de la primera mitad del siglo XVIII fueron apareciendo en los
países del occidente de Europa. Los porcelanistas ingleses descubrieron, por
su parte, en 1748 (en la fabrica instalada en Bow), una variante de esa
porcelana de imitación, la "porcelana fosfática", o bone‑porcelain,
hecha con fosfato de cal, por adición en su pasta de ceniza obtenida de la
combustión de huesos.
Por otro lado, ya en l709, los esfuerzos realizados bajo el
patrocinio de Augusto II el Fuerte, en Sajonia habían por fin obtenido el éxito
apetecido: un alquimista de vida austera y conducta dudosa, Johann Böttger,
vigilado y ayudado por un científico (...), había descubierto el secreto de
la auténtica porcelana, al emplear en su composición una arcilla procedente
de las cercanías de Aue (en la parte occidental de los montes Metálicos),
que resultó ser la misma tierra de la que se valían los chinos: el caolín.
Así se fundó la fábrica real de Sajonia, que quedó instalada en la
fortaleza de Albrechtsburg, en Meissen. Un decreto oficial, de 23 de enero de
1710, anunciaba el acontecimiento en cuatro idiomas: alemán, holandés, francés
y latín. Sin embargo, durante dos años la porcelana sólo se produjo en
Meissen en poca cantidad, por vía de ensayo; su producción no se normalizó
hasta 1713.
Como es de suponer, - dada la mentalidad de la época - la
obtención de esa verdadera porcelana se rodeó del más impenetrable secreto;
ello explica la severa organización que se dio a la nueva fábrica, y que
sirvió de modelo a todas las demás oficiales que posteriormente lograron
elaborar porcelana auténtica o “sajona” en Austria y varias localidades
de Alemania y aún del extranjero. (...)
En los principales centros oficiales de esta clase hubo un
director oficial y otro efectivo, un grupo de arkanisten (o secretistas, como
se les llamó en español), que eran estrechamente vigilados, y los modelistas
y pintores, dirigidos por un artista de nota, escultor o pintor.
Una organización parecida tuvo la manufactura oficial francesa,
que, instalada desde 1741 en el castillo de Vincennes, pasó en 1753 a ser
protegida por la marquesa de Pompadour, y tres años mas tarde, bajo el
patrocinio directo del rey, se instalaba en una finca de Sevres (su sede
actual) que antes perteneciera al músico Lulli, cerca del dominio de Bellevue,
donde aquella favorita de Luis XV tenia una de sus residencias. La fabrica de
Alcora, en España, del conde de Aranda, que fabrica loza, pero también
porcelana, tuvo, asimismo, organización similar, aunque menos rigurosa.
Consignemos, finalmente, las principales fábricas inglesas,
debidas a la iniciativa privada y fundadas todas ellas a mediados del siglo:
fueron las de Chelsea, Bow, Derby y Worcester.
Meissen creó, por su parte, una tradición artística que,
partiendo del barroco, rápidamente se incorporó a las características del
Rococó, y su influjo alcanzó, no sólo a las otras porcelanas alemanas, sino
también a las inglesas y a las de las fabricas de Doccia, en Italia, y a las
de Capodimonte y del Buen Retiro, fundadas por Carlos III de España.
En Francia, en cambio, desde la primera fabrica de pate tendre,
que se mostró activa por iniciativa particular, la de Saint-Cloud (1702),
así como en la de Chantilly (del príncipe de Conde) o la Mennecy (del duque
de Villeroy), se llegó al empleo de lo Rococó tras una prolongada etapa en
la cual predominó el gusto chinesco.
Entre Meissen y la fabrica real francesa de Sevres pronto se
estableció una rivalidad; mientras la porcelana sajona triunfaba en la
superior calidad técnica y en el modelado de las figuras, Sevres triunfó
en las coloraciones, sobre todo en sus famosos matices que resultaron inimitables:
bleu du roi y "rosa Pompadour". (...). Hacia 1730 empezó a
desarrollarse, también en Meissen, la aplicación de la escultura a la
porcelana. En ello tuvo gran trascendencia, que se reflejó en toda Europa, el
modelista escultor Joachim Kandler. Este creó infinidad de figuras que
reproducen personajes de la corte sajona, tipos callejeros, pastores
idealizados, escenas galantes y personajes de la Commedia dell'Arte. En todas
ellas destaca su vigor característico y una intención satírica o meramente
burlesca, que se expresa acompañada de un colorido llamativo, rico en contrastes.
(...)
Varios
Autores.- Historia del Arte.-
Ed. Salvat. 1970. Tomo 8 págs. 3-18