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GÓTICO: EL ARTISTA Y LA SOCIEDAD.-
Por lo general, la consideración social del artista durante los siglos
del gótico es análoga a la de los demás artesanos, y lo que la sociedad
valora preferentemente de su trabajo no es tanto la capacidad de creación
propiamente dicha, como un mayor y mejor dominio de las técnicas del
correspondiente oficio. Hasta muy avanzada la época gótica no empezará a
considerarse cometido propio del artista la concepción teórica e iconográfica
de sus obras. En muchos casos le bastará con reproducir unos modelos
determinados o con traducir las instrucciones de personas a las que se
reconoce un nivel cultural superior.
Conforme avanzan los tiempos, es cada vez más frecuente, que los artistas firmen sus propias obras en un intento de acreditarse. Así, por ejemplo, maestro Mateo inscribe su nombre en el dintel del Pórtico de la Gloria (1188). Giovanni Pisano hace lo propio en el púlpito del baptisterio de Siena, con unos extensos versos en los que especifica las circunstancias relativas a la ejecución de aquella obra (1302-1310), y Jan van Eyck dejaba constancia de su presencia en la boda de G. Arnolfini firmando su famoso retrato del siguiente modo: “Jan van Eyck estuvo aquí” Aunque se trata sólo de ejemplos, debe tenerse en cuenta que al principio se firmaban con mayor frecuencia las obras arquitectónicas o escultóricas que las de arte mueble.
Como todos los demás estamentos artesanales, los artistas también
comienzan a organizarse corporativamente en cofradías y gremios, aunque en
muchos casos éstos no se corresponden exactamente con los de arquitectos,
pintores, escultores, etc. ... Por ejemplo, sabemos que los pintores
florentinos de principios del siglo XIV estaban agrupados con los médicos,
los boticarios y los comerciantes de especias. Un caso algo distinto es el de
los constructores, entre los que se da una clara diferencia entre el maestro
de obra, arquitecto o ingeniero, y el simple albañil, lapiscida o alarife. En
ocasiones, el papel de las asociaciones permanentes de constructores - o
logias - ha sido mitificado en exceso por el carácter cerrado y casi secreto
que podían llegar a tener. De todos modos, es evidente que alrededor de las
grandes obras surgen auténticas escuelas donde se transmiten por medio de la
práctica las experiencias y las técnicas propias del oficio.
El taller de los pintores. escultores, orfebres, etc. desempeñaba
una función análoga. Raro es el artífice de alguna importancia que no tenga
a su lado algún aprendiz, colaborador, esclavo o familiar que aprenda las técnicas
de la profesión y que le ayude en alguno de los múltiples procesos que
implica la ejecución de una obra. Normalmente, cabe pensar que el maestro era
el responsable del diseño de la misma y de su acabado, mientras que los
ayudantes se encargarían de las fases preparatorias. En base a esta lógica
suposición, los historiadores del arte medieval distinguen las obras de un
maestro de las de su taller según su mayor o menor calidad.
El progresivo desarrollo de las comunidades urbanas a lo largo
de los siglos del gótico implica la concentración en las ciudades del
mercado artístico. Los artífices tienden a establecerse en su seno, amparándose
en leyes favorables y en las posibilidades de asociación. Sin embargo, no
resulta válida la idea según la cual el artista de los siglos XIII, XIV o XV
es un artista sedentario, en contraposición al artista del período románico,
que sería un artista itinerante. Salvo los pintores o los orfebres que pueden
desarrollar su labor en el propio taller, los demás artistas (arquitectos,
escultores o fresquistas) están obligados a una constante movilidad.
Lo que sí es evidente es que, a medida que avanza el período
que estudiamos, el mundo del artista se especializa y se configura con cada
vez mayor nitidez.
Debido a la institucionalización de las sociedades, comienza a
generarse una gran cantidad de documentación, parte de la cual alude a
aspectos relacionados directa o indirectamente con la vida del artista y la
creación artística propiamente dicha. Así pues, resulta más fácil
relacionar obras y autores, e incluso establecer biografías de los mismos.
...
Aunque se tienen noticias de talleres especializados en la
producción seriada de obras de arte. La mayoría de los artistas trabajaban
por encargo. Evidentemente, los contratos en que aquellos se formalizaban
constituyen una fuente de información de gran importancia, puesto que a través
de ellos se de terminan los gustos del cliente, el precio de las obras, sus
plazos de ejecución y de liquidación, los modelos a imitar, las calidades de
los materiales e incluso los procedimientos a aplicar, etc. ... El margen de
libertad del artista para dar forma a las obras que se le encargaban se
situaba entre sus propias limitaciones técnicas y los gustos aceptados por el
comitente o por la sociedad.
Pueden distinguirse varias categorías de encargos, que,
generalizando, podrían corresponder a otras tantas categorías de obras de
arte. Es evidente que los encargos reales o cortesanos habrían de determinar
las obras de mayor calidad, ya que el afán de autoafirmación y el espíritu
de lujo y de ostentación estuvieron siempre presentes en las grandes cortes
europeas. Sin embargo, tampoco debe infravalorarse el papel de la burguesía,
puesto que si en sus orígenes el arte gótico va estrechamente unido a los
ideales monárquicos, a partir de un momento dado es la clase burguesa la que
asume el máximo protagonismo, imponiendo un nuevo sentido de la realidad. La
acción de la burguesía también se puede percibir en realizaciones arquitectónicas
tales como lonjas, sedes de gobiernos municipales, palacios, etc.
Muchas de las grandes obras de carácter religioso o vinculadas
a usos religiosos (iglesias, capillas, retablos, sepulcros, ornamentos,
libros, etc. ...) cuentan también con el patrocinio real o de burgueses. Quizás
los encargos de origen estrictamente religioso sean los que a nivel estético
aportan menos novedades.
Del mismo modo que distinguimos varias categorías de encargos,
también podemos constatar que entre los artistas llegan a existir diferencias
sociales bastante acusadas. Casos como el de Giotto (que percibía cantidades
muy importantes por su trabajo, poseía algunos terrenos, prestaba capitales y
arrendaba telares) o Jan van Eyck (que fue hombre de confianza del duque de
Borgoña y realizó para él algunas misiones diplomáticas) señalan los más
altos niveles sociales alcanzados por los artistas de la época gótica,
siendo absolutamente excepcionales.
... Tampoco son infrecuentes los casos de artistas que
desarrollan provechosamente más de una especialidad (arquitectos-escultores,
escultores orfebres, muralistas-miniaturistas; etc. ...).
José
Bracons.- Las claves del arte gótico.-
Ed. Arín. Madrid 1986. Págs. 12-15